Cómo aplicar al mundo de la guitarra y la visualización del diapasón, el concepto holístico que Aristóteles resumió en la frase: «El todo es mayor que la suma de sus partes».

Cuando mezclamos las pentatónicas derivadas de una tonalidad mayor, nos llevamos alguna que otra sorpresa…

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¿Cómo desarrollar, crear o componer un solo de guitarra? Es una cuestión interesante que podemos utilizar como alternativa a la improvisación. Muchos guitarrista componen sus solos y luego se los aprenden de memoria para tocarlos siempre igual…

Esto puede ser debido a sus gustos personales, a la seguridad que da tocar algo que tienes aprendido, mientras se dedica a disfrutar del escenario con menos probabilidades de equivocarse o, muy importante, porque es necesario hacer siempre una misma línea melódica fija para poder armonizarla o doblarla por otro instrumento. Un ejemplo claro  de esto último, es el enorme y fantástico solo de Hotel California.

La improvisación pura no existe. Aprender un sistema para diseñar y desarrollar solos de guitarra es una herramienta muy útil que te ayudará a disfrutar de algunas cosas que quizá no hayas tenido en cuenta.

Para continuar con los dos artículos anteriores, hoy vamos a utilizar mi sistema EPA para componer un pequeño solo. Un fraseo con sentido completo que se extiende durante varios compases.

Lo construí usando como paleta de colores, cuatro patrones/motivos diferentes que fui transformando (articulando) y adaptando, de manera que el resultado fuera creíble. Que sonara como si lo hubiera compuesto desde cero; sin normas creativas.

Obviamente sería muy largo explicarlo todo en este texto, así que te dejo la tablatura y el vídeo donde lo toco y explico cómo lo compuse.

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La semana pasada vimos lo que yo denomino el sistema EPA, un modo fácil de componer fraseos y ejercicios técnicos, que he diseñado inspirándome en las normas del desarrollo motívico: Las he simplificado y adaptado a la guitarra. Puedes echarle un ojo aquí.

Ahora. cómo no, vengo con la primera entrega de frases construidas con este sistema. Son cinco licks que han surgido de un motivo original, construido con un patrón inicial, y que he ido transformando y articulando con el EPA.

¡Sin más vamos a tocar! Te dejo la tablatura y el vídeo.

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Para qué lo vamos a negar, en general (hay gente para todo, menos mal) lo que más nos atrapa, lo que más llama la atención y deseamos, es hacer buenos solos de guitarra.

Un objetivo que pasa por aprender escalas y sus digitaciones interminables, aprender solos de otros guitarristas, analizarlos y… ¡Aprender licks!

¿Qué es un lick? La Wiki dice:

En los géneros de música popular como el blues, el jazz o la música rock, un lick es «un patrón o frase» que consiste en una breve serie de notas utilizadas en solos y líneas melódicas y acompañamiento. Los licks en el rock and roll a menudo se usan a través de una fórmula, y una técnica de variaciones en la que se mezclan y desarrollan variantes de ideas simples y comunes durante el solo. En una banda de jazz, se puede interpretar durante un solo improvisado, ya sea durante un coro solista acompañado o en una pausa solista no acompañada. Las melodías de jazz suelen ser frases cortas originales que pueden modificarse para que se puedan usar sobre los cambios de progresiones armónicas de una canción.

Como por ejemplo el lick más famoso del mundo —The Lick—, que ha dado muchas alegrías a diferentes músicos y  que se ha acabado utilizando en tono de comedia:

Es decir, nos aprendemos múltiples «trocitos melódicos», que combinados y variados, nos permiten hacer frases más largas o incluso improvisaciones o solos completos.

Pero se corre un peligro muy habitual: Que se note que uno de esos licks —o todos— es aprendido y, peor aun, que destaque entre tus propios fraseos quedando fuera de contesto, porque el resto de la improvisación es más básica, más tuya, o de un carácter diferente al lick o licks en cuestión.

Lo más aconsejable es que, poco a poco, vayamos generando un vocabulario propio: Un diccionario de frases a medida. ¿Pero cómo? Con la experiencia y el aprendizaje de todo lo dicho, pero llevado a tu terreno y transformado por tu gusto e intuición. Ahí es nada.

Por eso hoy vengo con un sistemita al que he denominado EPA. El acrónimo de Esqueleto, Patrón, Articulación. ¿Y en qué consiste?

Es la simplificación de un sistema de composición que se denomina Desarrollo Motívico: Una herramienta compleja pero muy versátil que te permite, partiendo de uno o varios motivos originales, variándolos o alterándolos drásticamente con una serie de reglas, crear una composición en la que incluso no aparezcan ninguno de los motivos originales.

Este sistema es muy antiguo, aunque se haya ido desarrollando con las épocas musicales hasta la edad contemporánea, ya J.S Bach lo hacía en sus fugas. Mira este ejemplo:

Por eso, para simplificar y llevarlo al terreno de la guitarra, me he montado el sistema EPA. Te lo cuento todo en el vídeo de más abajo. Además te dejo las dos fotos que he usado para explicarlo y que aparecen en el vídeo.

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El sistema de visualización y digitación de acordes en triada más conocido es el sistema americano llamado CAGED, es el acrónimo de las letras que designan los modelos básicos de acorde C, A, G, E y D.

En inglés tienen la suerte de que caged es una palabra con significado (enjaulado), pero en castellano no, así que, en mis clases, he incluido un nombre más, en total seis, para distribuir los modelos por cuerdas, en vez de por solapamiento, como hace el CAGED.

He añadido un modelo al que llamo «F» para designar una postura que ya se hace pero, que yo sepa, no tiene nombre. Pero esto lo veremos en otro artículo.

Hoy quiero explicarte un sistema de visualización que nos va a facilitar el trabajo de saber las notas en el mástil y además ayudarnos con la visualización de los modelos de acorde, de las escalas y por tanto, una herramienta muy útil a la hora de improvisar sobre cualquier rueda de acordes: La Octavación.

Te dejo unas fotos donde puedes observar cómo y cuáles modelos CAGED se integran en cada una de las cinco digitaciones de una pentatónica mayor y otra menor, para que te hagas una idea del potencial que tiene la combinación de diferentes sistemas de visualización.

En ellas se aprecian la raíz de la escala y sus octavas, que coinciden con las de cada modelo CAGED correspondiente. ¡Intenta encontrar cuál modelo hay en cada figura de las pentatónicas!

(pincha en las imágenes para descargarlas)

 

 

 

 

 

 

El resto, te lo dejo todo explicadito en el vídeo  😎

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Una pentatónica es una escala de cinco sonidos —notas—. Es algo obvio, a estas alturas; pero es interesante pensarlo así para entender que se puede construir cualquier escala pentatónica que no sea estándar, siempre que conste de cinco notas.

Hay muchos tipos de pentatónicas, occidentales y orientales. Hoy voy con la segunda opción de pentatónica semi-disminuida. La primera la vimos hace unos meses en este artículo.

Para construirla, en lugar de buscar sus intervalos en el mástil, voy a hacerlo de otra manera: Voy a partir de una Bar Blues, una escala típica de Blues muy conocida y usada por casi todos. (En otro momento hablaremos de ella más a fondo).

Esta escala es básicamente una pentatónica menor a la que se le añade una nota de paso entre su 4ª y su 5ª. A esta nota de paso se la conoce como Blue Note y es una cuarta aumentada o una quinta disminuida, dos nombres para el mismo intervalo. Sus digitaciones principales son así:

Una Bar Blues podría considerarse como una escala Hexatónica —una escala de seis notas—. Para convertirla de nuevo en pentatónica le quitamos una nota, pero en este caso la quinta justa original de la pentatónica menor con la que construimos la Bar Blues. Así podremos acoplarla a la sonoridad del acorde semidisminuido, que tiene esta estructura: R-b3-b5-b7. La escala Bar Blues sin la 5ª justa queda así:

R-b3-4-b5-b7

Sus intervalos son perfectos para tocar encima de cualquier acorde semidisminuido, cuya nomenclatura es: Xø  y también X-7(b5). Y no sólo para este acorde que es el suyo propio, sino para acordes de séptima dominante sin alterar, usándola de una manera especial… Pero eso lo veremos más adelante.  😆

Te dejo el esquema de la escala pentatónica semidisminuida que hemos construido, y un vídeo donde la toco.

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Una de las constantes y recurrentes cuestiones que se plantea en clase es… ¿Cómo cambiar los acordes más rápido y que suenen bien?

En esta ocasión no hay mucho que escribir, así que mejor te lo cuento en el vídeo. ¡Ah! Ten en cuenta que, en general, cualquier tipo de problema se soluciona con la práctica; donde la repetición y la concentración, poco a poco, van convirtiendo la naturalidad en un buen hábito: Nada que no sepas.  😉 Hasta la semana que viene.

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Un Turn Around se define libremente como los dos últimos compases de una progresión de acordes de blues o jazz.

Sin embargo, su amplitud puede abarcar cuatro compases (raramente tres o más de cuatro). El nombre proviene del hecho de que estos compases se utilizan para «dar la vuelta» y conducir de nuevo al comienzo de la progresión.

Los músicos de blues suelen tener todo un arsenal de cambios a su disposición. Muy a menudo, se aplica movimiento cromático. En la guitarra, este es un movimiento de un traste a la vez, ya sea ascendente o descendente.

Por ejemplo, una escala cromática en la clave de E sería E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C, C#, D, D#, E (octava). Estas escalas no son muy musicales en la naturaleza, pero se usan en todas las formas de música —en este caso armonizada con acordes—, y también sirven para hacer tediosos ejercicios de calentamiento.  🙄  😆

El ejemplo de hoy está inspirado en un tema del guitarrista Robben Ford, Ain’t Got Nothin’ But The Blues. Sobre una rueda de acordes que completa el Turn Around de dos compases, he compuesto un fraseo o lick. Te dejo la tablatura y más abajo un vídeo donde lo toco.

ACORDES

|B-7  A/C#  D  D#o|E7sus4        E7#9        |

|A7 9,13(compás 1º de la rueda)|

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Ya vamos aprendiendo, aunque sea un poquito 😀 , lo que es el concepto básico de tonalidad mayor.

Hoy, en cambio, voy a hablar de una cuestión un poco más avanzada teóricamente: El intercambio modal y la tonalidad paralela. Aunque, como en muchos casos, de aquí deriva una herramienta que se utiliza muy comúnmente, y en estilos bastante «populares»

INTERCAMBIO MODAL

Básicamente, intercambio modal significa introducir, en una composición, un elemento armónico —o varios— ajeno a la tonalidad principal con la que está construida. Es un método para poder disponer de «material extra» a la hora de componer un tema relativamente «fácil» de escuchar.

No obstante, no todos los posibles acordes accesibles por este método son susceptibles de utilizar en cualquier tipo de composiciones, o sea, sólo algunas combinaciones son «prácticas», o auditivamente viables; aunque esto sea subjetivo.

TONALIDAD PARALELA

Un sistema muy usado para jugar con el intercambio modal:

Toda tonalidad mayor tiene un reflejo en otra menor, que se construye considerando la tónica, I (grado) de la tonalidad fuente, como VI menor de la tonalidad paralela: Es decir, es el conjunto de acordes que surgen a partir del relativo primario del primer grado de la tonalidad paralela mayor.
Por ejemplo; C (I) y Cm (VI de Eb):

Hay un ejemplo muy famoso que se escucha desde los años 60: Sleepwalk. Pero hay muchos más, como por ejemplo Creep, de Radiohead, que está compuesta en G, pero con acordes de Gm:

|G |G |B* |B              |
|C |C |Cm* |Cm          |

*B es el V7/VI en la tonalidad G (mayor) y Cm es el IV de la tonalidad de Gm.

Poco a poco, en próximas entregas iremos desentrañando algunos misterios que han quedado por descubrir en este artículo, pero de momento te dejo un vídeo donde lo explico más detalladamente.

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