¡Hola de nuevo! Hoy vamos a ver todo sobre los Power Chords, un tema muy buscado y que cuando queremos tocar la guitarra, es de lo primero que aprendemos y practicamos. ¡Incluso después, cuando ya no somos principiantes!

Power Chords: Un «pseudo acorde»

¿Qué significa esto? Ya sabemos que para formar un acorde nos hacen falta como mínimo tres notas diferentes. La famosa Triada Básica:

R , 3ª y 5ª

Pues bien un Power Chord no es exáctamente esto. En su estructura encontramos una raíz, una quinta y… una octava. Es decir, falta una nota distinta. La octava es la misma nota que la raíz aunque se toque seis tonos más aguda. Por ejemplo:

C-G-C

En especial, lo que más se echa de menos es la 3ª del acorde —ya sea mayor o menor—, que es la que proporciona al conjunto de notas el carácter o cualidad: Acorde Mayor o Acorde Menor.

Esta circunstancia nos permite acompañar rítmicamente y  ¡con mucha energía! cualquier rueda de acordes sin preocuparnos de si tal acorde es mayor o menor.

Lo de la energía es debido a que las quintas (justas) son muy potentes y, en cambio, cuando a la estructura del acorde se le añade una tercera, el sonido resultante es más «dulce».

La tercera nos ayuda a posicionar funcionalmente un acorde con respecto a los demás, en una rueda de acordes indeterminada, donde las posibilidades suelen ser varias.

Por ejemplo, si tengo tres raíces:  C, G , D; pueden ser C, G, D (todos mayores) o C, G, Dm. Incluso Cm, Gm, Dm (todos menores) o Cm, Gm D, etc.

Cuando en vez de tocar acordes completos, tocas Power Chords, la cosa se facilita…

Técnicamente, pero armónicamente se indetermina el foco tonal y la tonalidad de origen. Lo que nos hace tener dificultades a la hora de elegir la escala con la que deberíamos improvisar o componer una melodía para interpretarla sobre ellos.

Inversiones de los Power Chords

El misterio comienza cuando, a pesar de que parecen muy prácticos y fáciles de usar y tocar, nos topamos con los famosos intervalos y sus inversiones.

Para seguir mejor el resto de lo que te voy a contar, deberías echar un ojo al artículo de esta web La regla del 9 o ver este vídeo.

Una inversión es, en dos palabras, darle la vuelta a un acorde para que su nota más grave no sea la raíz. Por ejemplo:

C mayor es: C-E-G y su 1ª inversión sería: E-G-C

¿Comprendido?

Pues bien, un Power Chord también se puede invertir, y el resultado puede ser sorprendente. Mira este vídeo donde he experimentado con diversas sonoridades de Power Chords, con o sin inversión:

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El Círculo de Quintas

Para comprender esto vamos a tener que echar mano de esta fantástica herramienta, pero ahora no podemos entrar en ello.

Te dejo una explicación magistral de, a mi entender, uno de los cracks de la divulgación musical en España, Jaime Altozano, con la que podrás entender el Círculo de Quintas. La tienes en en este vídeo.

Cuando inviertes un Power Chord, obtienes un resultado ambiguo:

C5 es C-G-C, y su inversión C5/G es G-C-G

Todo eso es debido a que una quinta, la esencia de un Power Chord, si la inviertes ¡se convierte en una cuarta!

La posición típica de «tocar en quintas» es:

y la de «tocar en cuartas»:

Y la postura de Power Chord es:

Por eso, sucede que en algunas ocasiones al aprenderte una canción crees que estás tocando o hay que tocar una cosa, cuando en realidad es la contraria. :mrgreen:

Un ejemplo típico es el riff principal de Smoke on the Water, de Deep Purple.

Para que lo entiendas visualmente aquí tienes una foto:

power chords inversiones

La Regla del 9 (recuerda el artículo que te sugerí que vieras) dice:

9-5= 4 

Como el 5 en la fórmula es justa, el resultado, el 4 de la fórmula, es justa. 😉 

Buscando Sonoridades con Los Power Chords

La sonoridad de un Power Chord, invertido o no, es potente. La potencia no es una cualidad que se consigue sólo con la distorsión.

El Power Chord en si mismo, contiene esta cualidad, por eso se utiliza tanto en rock como en pop o power pop o indie… o lo que sea. ¡La cosa es meter cañuza! 😈 🤘🏼

Bueno, en el vídeo de hoy trato todo lo que te resumido en este artículo. En breve publicaré la 2ª parte, donde utilizaremos los Power Chords de una manera más avanzada y sugerente (Eso no significa difícil, te adelanto una canción donde se hace, para que te familiarices con el sonido).

(ACTUALIZACIÓN: Ya lo puedes ver aquí.)

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Vamos con la lección de esta semana. Esta vez con el análisis del conocido tema de los Allman Brothers, Jessica.

En vídeo analizamos el ritmo, las melodías, la armonía —aquello de que, «no es lo mismo tono que tonalidad»— y ciertas partes del solo.

Es un tema mixolidio, es decir, que está construido a raíz del V grado de la tonalidad de D, el acorde A. Pero luego cambia al grado I y modula a la tonalidad de G, donde el A, aunque es el tono principal del tema, cambia y se convierte en el II grado menor de G… Mejor que veas el vídeo jejeje

Espero que te sea interesante y útil. Y no olvides que si quieres, puedes recibir CLASES de guitarra, armonía y composición ON LINE. Informarte AQUÍ. También puedes ver más en mi canal de YouTube

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¡Vamos con un poquito de técnica!

Rasguear una guitarra —strumming en inglés—es lo que se hace cada vez que subimos o bajamos a mano derecha y rozamos con la púa o con la punta de los dedos las cuerdas provocando así que estas suenen simultáneamente… Jejejeje, que yaaaa, que eso ya se sabe de sobra, ¿o no?

Está bien y un scratch ¿Qué es?

Es el sonido que se produce al rasguear las cuerdas, pero sin pulsar ninguna cuerda en el diapasón con la mano izquierda.

Simplemente se apoyan los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas, ejerciendo la presión justa para que estas no produzcan sonidos reconocibles como notas. Un ejemplo muy famoso es la introducción de Voodoo Child (Slight Return) de Jimi Hendrix.

A esta técnica se le llama scratching.

Pues bien, lo que vamos a hacer ahora es intercalar algunos scratches entre las notas de una melodía. De manera que en lugar de tocar notas largas, rellenamos con scratches el espacio entre dos notas  acortadas, hasta completar la duración de la nota original, como si fuera tenida (larga):

Y aquí tienes una línea melódica ejecutada con esta técnica:

Para conseguir este efecto, es muy importante mantener el dedo índice solo apoyado, rozando las cuerda sin llegar a pisar, para no provocar que las notas del traste suenen.

También es necesario como medida de seguridad, utilizar la punta del dedo con el que vamos a pulsar una determinada nota (traste) para mutear por debajo las cuerdas que vayan quedando encima de la que estemos tocando.

Pero mejor verlo en este vídeo demostrativo.

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¿Qué tal después del verano? Seguro que con ganas de retomar la práctica y el estudio de la guitarra.  😉

Para ir entrando en la dinámica hoy voy a estudiar delante de ti, es decir, voy a mostrarte cómo encaro la práctica y comprensión de un concepto determinado. En este caso un Lick de guitarra entresacado de una improvisación del fantástico guitarrista Guthrie Govan.

Aquí está la tablatura de una primera adaptación que he hecho de su fraseo original —muy ambicioso y supertécnico para mí—, pero que he ido puliendo para adaptarlo a mis habilidades y necesidades.

Para hacerte una idea completa de la rutina de estudio que sigo cuando lo que quiero es «robar», es decir, integrar en mi vocabulario un lick ajeno, de un o una guitarrista que me inspira, puedes ver el vídeo de abajo.

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¡Voodoo! para dominar el alma de alguien, para hacerlo sucumbir a tus deseos, para invocar su espíritu…

Cuando tocas algo conocido pero enmascarado con artificios técnicos y armónicos, lo llevas a tu terreno personal y lo bañas con aromas y esencias de tu propia cosecha; ese algo puede llegar a ser hipnótico para alguna gente: No acaba de reconocerlo aunque algo resuene en su interior.  Un susurro que dice que lo que escucha, está en sus recuerdos profundos, aunque no tenga conciencia de lo que es.

Cualquier persona sabe que acumular conocimiento masivo no es fácil ni práctico. Es una buena idea reservar el esfuerzo para conocer bien unas pocas cosas. Para tener los recursos necesarios y saber utilizar tus conocimientos de manera original y creativa, para que no aburran; para que no te aburran…

Pues bien, voy a utilizar de nuevo el carrito, aquella figura en el mástil que suelo usar y que explique en un artículo anterior.

El Carrito

Esta vez para interpretar a lo Hendrix la introducción del tema “Wish You Where Here”, del grupo Pink Floyd. Su estructura es así:

 Motivo—Acorde—Motivo—Acorde—Motivo

Es decir, antes de cada acorde hay una melodía introductoria que prepara la entrada del acorde que viene. Cada uno de ellos tiene un motivo diferente. Los acordes (en triada) son los siguientes:

 Sin título

Simplemente comprendiendo que la mayoría de las notas en la guitarra se encuentran en varios sitios del mástil, podemos tocar los motivos y los acordes de manera diferente a la que utilizó David Gilmour en la grabación original. Y además, prestar a la interpretación que hagamos, la esencia del estilo de cualquier otro guitarrista que nos apetezca.

Me siento muy agradecido de lo que he podido aprender de todo lo que aportó Jimi Hendrix, que fue mucho y valioso, y le he elegido en este caso porque se caracterizaba por adornar los acordes con una serie de líneas melódicas (intra-melodías) a base de ligados, técnica que luego ha influenciado a muchos guitarristas como Stevie Ray Vaughan o John Frusciante sin ir más lejos.

Por otra parte, el estudio de la armonía y de las diferentes formas (modelos) de acorde que vamos recopilando, te pueden permitir añadir sonoridades sorprendentes a una rueda de acordes tan sencilla como la de Wish

En el vídeo tienes una explicación más detallada y al final, una interpretación de la mezcla que he hecho con el tema de Pink Floyd, del estilo de Gilmour, del estilo de Jimi y el mío propio. Espero que te guste.

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La técnica de púa es un asunto muy debatido, un aspecto de la guitarra que proporciona al sonido general algo característico de cada técnica y, sobre todo, de la persona que interpreta la pieza o pasaje musical; pues, como decía Paco de Lucía: «la mano izquierda piensa y la derecha ejecuta, lo que define lo que es la guitarra».

Es importante saber y entender que muchas de las cosas que tocamos en el mástil, acordes, escalas, etc. Son comunes a muchos estilos e incluso entre diferentes tipos de guitarra —eléctrica, acústica, española—.

La diferencia radica muy a menudo en el ritmo que se imprime a las cosas que pensamos, a las que buscamos con la mano izquierda, y que es la derecha la que las hace diferentes, personales, vivas…

Obviamente si tú eres una persona zurda la cosa es igual pero al contrario… 😉

De entre todos los sistemas de púa, los más importantes son los que caracterizan a un estilo en particular. El Heavy Metal o el Punk, por ejemplo, no sonarían como deben si no usáramos la técnica de púa adecuada: Para que suenen contundentes hay que intentar tocar todos los golpes de púa hacia abajo down strokes—. Pero para tocar Funky, necesitamos hacer púa contra púa alternate picking—; o para correr por el camino que marca una escala.

En el caso de que queramos arpegiar un acorde, la cosa cambia. Es casi seguro que al ejecutar esta técnica haya saltos de cuerda, y por tanto es mas fácil equivocarse de cuerda o rozar otras que no deben sonar.

Muy a menudo se tocan todas las cuerdas hacia abajo, de esta manera suena el arpegiado muy uniforme, casi como si le hubiésemos puesto a la guitarra un compresor, sobre todo si muteamos las cuerdas ligeramente con la palma —palm mute—. Pero hace falta un esfuerzo doble, ya que para que la mano baje dos veces es imprescindible subir una entre medias.

Si arpegiamos usando la técnica de púa contra púa, la cosa se agiliza, pero la secuencia de púa suele ir rotando de manera que no coincide con el comienzo del arpegiado (la cuerda donde comenzamos a arpegiar el acorde).

Nos encontramos con que cada vuelta completa del arpegiado del acorde en cuestión, empieza y evoluciona con los golpes de púa al contrario del anterior y, otra vez, de la siguiente vuelta. Esto puede ocasionar confusiones y que acabemos golpeando las cuerdas de manera aleatoria o caótica, entorpeciendo así a la correcta ejecución del pasaje que debamos arpegiar y por tanto al sonido general.

La técnica que voy a explicar no tiene nombre, que yo sepa. Se parece a una técnica que denominan easy picking, y que no voy a explicar ahora, pero no es, a mi modo de ver, exactamente lo mismo. Así que la he bautizado como Híbrida Alterna. Ya que toma parte de las dos anteriores. Consiste en lo siguiente:

Empezamos a arpegiar nuestro acorde en el sentido elegido y continuamos así hasta que lleguemos a una cuerda (cuerda pivote) donde la siguiente cuerda se encuentre en sentido contrario al que veníamos. En esta cuerda pivote, cambiamos ya el sentido de la púa, y continuamos así, con la nueva forma, hasta que lleguemos a otra cuerda donde suceda lo mismo que en la primera cuerda pivote.

Por ejemplo, supongamos que tenemos que arpegiar el acorde de Em en posición abierta, empezando desde la 6ª cuerda hasta la 1ª y volviendo hasta la 6ª. Además lo haremos en dos compases y tocando en corcheas. Es decir, deberemos tocar 16 golpes (8 por compás): Nos dará para tocar ida, vuelta e ida otra vez hasta la 1ª cuerda. Una vez completado el ciclo repetiríamos empezando desde la 6ª cuerda (Aquí también podíamos cambiar de acorde). La cosa quedaría así:

Púa de arpegio Em

Es decir, en una cuerda x, cambiamos el sentido de la púa dependiendo de dónde esté la siguiente cuerda que debamos tocar: Si esta debajo, púa para abajo, si está arriba, púa para arriba.

La cosa se va complicando si la secuencia no es tan uniforme como en el ejemplo anterior. Pero te aseguro que cuando practicas esta técnica de manera sistematizada y con diferentes combinaciones, llega un momento en que interiorizas el sistema y acaba saliendo automáticamente con casi cualquier arpegiado con el que te enfrentes.

Palabrita.

Pongamos de ejemplo los dos primeros compases de los famosos arpegiados de Every Breath You Take y Sweet Child of Mine.

Primero Police:

Púa de arpegio EveryAhora le toca a Guns:

Púa de arpegiado sweet.png

Os dejo un VÍDEO explicativo…

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La síncopa, es un recurso rítmico-melódico y de estilo que consiste en acentuar una nota en tiempo débil —cualquiera que no estér sobre el pulso principal—, o alargar el sonido de dicha nota sobreel tiempo fuerte. Cuando la nota acentuada va seguida de un silencio se llama contratiempo.

Esto imprime un carácter peculiar al ritmo convencional y se siente como ir a caballo sobre los clics del metrónomo o sobre la batería y la percusión.

Es muy típico de géneros musicales sureños, jazz, funky, Reggaey otras fusiones. Veamos como se ejecuta y se representa:

La síncopa#1

Y para poner ejemplo he utilizado un tema de funk-pop de Just Jack: Starz in Their Eyes. Aquí tienes la tablatura del riff principal y el de la base y el VÍDEO explicativo donde toco el tema en cuestión… 😉

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Como explico en el artículo corchea de swing, el Swing es un estilo de música que tiene características heredadas del blues y del jazz tradicional, y que incorpora un elemento rítmico que proviene del baile: El Shuffle.

Esta variante rítmica induce a  la interpretación de grupos de dos notas de manera «atresillada».

Es decir, que  el pulso principal en un compás, la negra, en vez de subdividirlo de forma binaria (grupos de dos figuras rítmicas iguales), lo hacemos de forma ternaria (grupos de tres figuras rítmicas iguales), que en conjunto duran lo mismo que el grupo de dos figuras; y que utilizamos como plantilla para interpretar los grupos de dos notas.

Si, por ejemplo, subdividimos la negra en dos partes iguales, tenemos dos corcheas. Un tresillo sería la sustitución de estas dos corcheas por tres figuras iguales que duran lo mismo que una negra. En este caso se denominaría tresillo de corchea.

Aunque cada una de las figuras del grupo de dos y del tres se designan igual, es importante entender que sus duraciones no son iguales: La corchea original —subdivisión binaria— dura la mitad de una negra; mientras que la corchea del tresillo —subdivisión ternaria— representa un tercio de una negra. Obviamente una mitad es mayor que una tercera parte.

La corchea de swing  es el resultado de interpretar dos grupos de notas, originalmente binarias, de forma que la primera se alargue un poco más que la segunda, provocando una sensación de retardo en el patrón rítmico general.

Cuando este alargamiento de la primera nota es justo el doble de la segunda, se llama Shuffle, y es, estrictamente, la unión — ligadura— de las dos primera figuras del tresillo seguida de la tercera.

Veamos: Si consideramos un tresillo de corchea — tres corcheas de tresillo—,  al ligar las dos primeras se convierten en una negra (de tresillo). El grupo quedaría como una negra y una corchea de tresillo juntas. Es decir un grupo de dos notas desiguales, provenientes de un tresillo, que duran, sumadas, una negra.

corchea swing

El Swing, es simplemente (o no tanto) la desviación que se aplica a la duración de estas dos notas atresilladas de manera intuitiva. Lo que se llama groove o feeling.

Así, un músico podría alargar la primera nota menos que la duración de las dos primeras figuras del tresillo ligadas —negra que se genera uniendo las dos primeras corcheas del tresillo en modo Shuffle—, haciendo que la primera nota del grupo sea más larga que una corchea original, pero más corta que una negra de tresillo.

Las diversas longitudes que se podrían ejecutar son tantas como personas e intuiciones; y generan subestilos y modos de tocar blues, jazz y swing tan diversos, que incluso representan el sentimiento de partes diferentes del mundo: No es lo mismo el swing de Nueva Orleans que el de París.

Pues bien, esto es lo que hace Jimmy Page en la interpretación del solo de Stairway to Heaven: Fluctúa entre las semicorchea binaria (straight) y la semicorchea de swing —se presupone que el mismo proceso que se usa para atresillar las parejas corchea, es el que se utiliza para las parejas de semicorchea. Efectivamente, la rejilla rítmica sobre la que se construye el solo de Stairway to Heaven es de subdivisión en semicorcheas.

Esto fue posible no sólo por su sentido del ritmo, sino porque el resto de los músicos también tienen esta tendencia y lo apoyan mientras el solea.

Lo fantástico de todo esto es que él, probablemente, no era consciente de ello.  Simplemente se dejaba llevar por su emoción y sentido del ritmo. Cosa a la vez bella e inimitable. Lo único que podemos hacer es intentar imitarlo para acercarnos ligeramente a lo que sintió cuando grabó este mítico solo de guitarra…

Aquí tienes La TABLATURA en PDF y el VÍDEO donde profundizo en todos los demás detalles que no te cuento en este artículo.

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Stairway to Heaven SOLO

 

Vamos con un clásico: El sólo de guitarra del tema de Led Zeppelin, Stairway to Heaven. No es posible dar por sabido este fantástico solo: No sólo es mítico, sino que además nunca dejas de descubrir cosas nuevas.

Para este artículo simplemente he tocado el solo intentando acercarme a la interpretación de Jimmy Page, la cual es súper visceral e intuitiva —casi imposible de imitar—, y transcrito el sólo siguiendo lo que escucho…

A pesar de que hay cientos de versiones y tablaturas de este solo en internet, en la mía he transcrito la interpretación lo más ajustadamente posible: siguiendo sus cambios rítmicos, que es donde se nota claramente el estilo indiscutiblemente propio de Jimmy Page.

Una forma de tocar ciertamente caótica y con un tempo fluctuante, que sin menoscabo de su genialidad, convierten a este guitarrista no sólo en un músico e inventor original, si no en un personaje inimitable.

Para tocar el solo correctamente hay que fijarse especialmente en los pasajes atresillados, que va intercalando entre una interpretación binaria, en un tema donde la base es también así; aunque en la interpretación de todos los músicos haya una tendencia implícita a tocar con swing.

Abajo tienes la tablatura. Y el vídeo de mi interpretación.

(Sobre este cambio de ritmo: el paso de ritmo binario, «estándar», a swing, atresillado, hablo en este ARTÍCULO sobre la corchea de swing y en particular analizaré rítmicamente el solo de Stairway to Heaven de Jimmy Page en el artículo siguiente.)

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