¿Por qué en un Blues, usamos normalmente una escala (pentatónica) menor en vez de tocar un Blues Modal?

Hay dos conceptos interesantes: Música Modal y Música Tonal. Para entender qué es cada cosa debemos profundizar en el concepto Modo. Cuya definición general podría ser: Manera de hacer, entender, apreciar o sentir algo.

Pero ahora nos interesa su definición musical. La Wiki dice:

Modos y escalas

Una escala musical es una serie ordenada de sonidos —a partir de una primera y última nota del mismo nombre, que dan nombre a la escala— entre los que se mantienen unos determinados intervalos musicales, que dan nombre al tipo de escala.

El término modo hace referencia a las escalas y reglas compositivas de la melodía usadas en los sistemas musicales antiguos, especialmente a los «modos medievales» utilizados en los cantos llanos (como el canto gregoriano). También puede utilizarse para designar a los «modos griegos», escalas descendentes del sistema musical de la antigua Grecia.

En un sentido más amplio engloba también las ordenaciones de alturas utilizadas en la música folclórica, étnica y la proveniente de culturas no europeas.El uso de un modo en una pieza o fragmento musical se conoce como «modalidad». Cuando se utiliza más de un modo simultáneamente se habla de polimodalidad, como por ejemplo la polimodalidad cromática.

Transposición de modos

En el sistema tonal, los dos tipos de escalas (mayor y menor) son meramente relativos y se pueden aplicar a una escala basada en cualquier altura (por eso se dice do mayor, do menor, re mayor, re menor, etc.). En cambio en el sistema modal cada tipo de escala tiene una altura correspondiente. Naturalmente un compositor moderno, al usar un modo antiguo, puede transponerlo a cualquier altura.

Entonces, por si no lo has entendido, te lo simplifico:

Modal es lo que atiende a un «modo» determinado de escuchar una serie de sonidos o una superposición de éstos. Una vez que se ha diseñado una estructura modal determinada, es decir, una serie de notas que forman una escala o un acorde con una estructura fija, ésta se puede cambiar de tono —Trasponer— para jugar con  diferentes alturas tonales y por tanto sensaciones.

Por ejemplo, cuando en una canción popular se toca el estribillo repetidamente, pero cada vez en un tono más alto. La sensación que provoca es exaltación y alegría u optimismo.

Tonal es centrarse en los sonidos únicos (notas) de una misma escala, combinarlos para construir los acordes pertinentes. El conjunto de estos acordes se llama Tonalidad. Una vez establecida la tonalidad, para componer, solo se usarían agrupaciones —cadencias— de estos acordes.

De esta forma tenemos dos sonoridades principales: La mayor, que arranca de la 1ª nota de la escala —Tónica— y la menor, la relativa de la 1ª, que empieza desde la 6ª nota. El resto de notas no generan un foco tan absorvente para el oído como para considerarlos de manera modal.

Es difícil componer una pieza musical centrándose en un acorde que no sea el I o el VI menor de una tonalidad, pues el oído siempre tiende a «desviarse» hacia estos dos puntos sonoros principales.

ESCALAS

Las escalas también se pueden usar de forma modal o tonal. En el primer caso, en una composición modal, se usa la escala que ha generado el tono y si se transpone a otro tono se cambia de escala. En el segundo caso, tonal, se usa la escala principal sobre todos los acordes utilizados en la composición, pues éstos se han construido con las notas de dicha escala.

Aquí entra el tema del Blues. ¿Se puede considerar a la estructura típica de este estilo como un Blues Modal?

Si pensamos en Blues Modal ¿Qué escala o escalas debo usar?

Para entenderlo, te propongo que lo veas en el vídeo de abajo. 😉

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Cómo aplicar al mundo de la guitarra y la visualización del diapasón, el concepto holístico que Aristóteles resumió en la frase: «El todo es mayor que la suma de sus partes».

Cuando mezclamos las pentatónicas derivadas de una tonalidad mayor, nos llevamos alguna que otra sorpresa…

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¿Cómo desarrollar, crear o componer un solo de guitarra? Es una cuestión interesante que podemos utilizar como alternativa a la improvisación. Muchos guitarrista componen sus solos y luego se los aprenden de memoria para tocarlos siempre igual…

Esto puede ser debido a sus gustos personales, a la seguridad que da tocar algo que tienes aprendido, mientras se dedica a disfrutar del escenario con menos probabilidades de equivocarse o, muy importante, porque es necesario hacer siempre una misma línea melódica fija para poder armonizarla o doblarla por otro instrumento. Un ejemplo claro  de esto último, es el enorme y fantástico solo de Hotel California.

La improvisación pura no existe. Aprender un sistema para diseñar y desarrollar solos de guitarra es una herramienta muy útil que te ayudará a disfrutar de algunas cosas que quizá no hayas tenido en cuenta.

Para continuar con los dos artículos anteriores, hoy vamos a utilizar mi sistema EPA para componer un pequeño solo. Un fraseo con sentido completo que se extiende durante varios compases.

Lo construí usando como paleta de colores, cuatro patrones/motivos diferentes que fui transformando (articulando) y adaptando, de manera que el resultado fuera creíble. Que sonara como si lo hubiera compuesto desde cero; sin normas creativas.

Obviamente sería muy largo explicarlo todo en este texto, así que te dejo la tablatura y el vídeo donde lo toco y explico cómo lo compuse.

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La semana pasada vimos lo que yo denomino el sistema EPA, un modo fácil de componer fraseos y ejercicios técnicos, que he diseñado inspirándome en las normas del desarrollo motívico: Las he simplificado y adaptado a la guitarra. Puedes echarle un ojo aquí.

Ahora. cómo no, vengo con la primera entrega de frases construidas con este sistema. Son cinco licks que han surgido de un motivo original, construido con un patrón inicial, y que he ido transformando y articulando con el EPA.

¡Sin más vamos a tocar! Te dejo la tablatura y el vídeo.

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Para qué lo vamos a negar, en general (hay gente para todo, menos mal) lo que más nos atrapa, lo que más llama la atención y deseamos, es hacer buenos solos de guitarra.

Un objetivo que pasa por aprender escalas y sus digitaciones interminables, aprender solos de otros guitarristas, analizarlos y… ¡Aprender licks!

¿Qué es un lick? La Wiki dice:

En los géneros de música popular como el blues, el jazz o la música rock, un lick es «un patrón o frase» que consiste en una breve serie de notas utilizadas en solos y líneas melódicas y acompañamiento. Los licks en el rock and roll a menudo se usan a través de una fórmula, y una técnica de variaciones en la que se mezclan y desarrollan variantes de ideas simples y comunes durante el solo. En una banda de jazz, se puede interpretar durante un solo improvisado, ya sea durante un coro solista acompañado o en una pausa solista no acompañada. Las melodías de jazz suelen ser frases cortas originales que pueden modificarse para que se puedan usar sobre los cambios de progresiones armónicas de una canción.

Como por ejemplo el lick más famoso del mundo —The Lick—, que ha dado muchas alegrías a diferentes músicos y  que se ha acabado utilizando en tono de comedia:

Es decir, nos aprendemos múltiples «trocitos melódicos», que combinados y variados, nos permiten hacer frases más largas o incluso improvisaciones o solos completos.

Pero se corre un peligro muy habitual: Que se note que uno de esos licks —o todos— es aprendido y, peor aun, que destaque entre tus propios fraseos quedando fuera de contesto, porque el resto de la improvisación es más básica, más tuya, o de un carácter diferente al lick o licks en cuestión.

Lo más aconsejable es que, poco a poco, vayamos generando un vocabulario propio: Un diccionario de frases a medida. ¿Pero cómo? Con la experiencia y el aprendizaje de todo lo dicho, pero llevado a tu terreno y transformado por tu gusto e intuición. Ahí es nada.

Por eso hoy vengo con un sistemita al que he denominado EPA. El acrónimo de Esqueleto, Patrón, Articulación. ¿Y en qué consiste?

Es la simplificación de un sistema de composición que se denomina Desarrollo Motívico: Una herramienta compleja pero muy versátil que te permite, partiendo de uno o varios motivos originales, variándolos o alterándolos drásticamente con una serie de reglas, crear una composición en la que incluso no aparezcan ninguno de los motivos originales.

Este sistema es muy antiguo, aunque se haya ido desarrollando con las épocas musicales hasta la edad contemporánea, ya J.S Bach lo hacía en sus fugas. Mira este ejemplo:

Por eso, para simplificar y llevarlo al terreno de la guitarra, me he montado el sistema EPA. Te lo cuento todo en el vídeo de más abajo. Además te dejo las dos fotos que he usado para explicarlo y que aparecen en el vídeo.

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El sistema de visualización y digitación de acordes en triada más conocido es el sistema americano llamado CAGED, es el acrónimo de las letras que designan los modelos básicos de acorde C, A, G, E y D.

En inglés tienen la suerte de que caged es una palabra con significado (enjaulado), pero en castellano no, así que, en mis clases, he incluido un nombre más, en total seis, para distribuir los modelos por cuerdas, en vez de por solapamiento, como hace el CAGED.

He añadido un modelo al que llamo «F» para designar una postura que ya se hace pero, que yo sepa, no tiene nombre. Pero esto lo veremos en otro artículo.

Hoy quiero explicarte un sistema de visualización que nos va a facilitar el trabajo de saber las notas en el mástil y además ayudarnos con la visualización de los modelos de acorde, de las escalas y por tanto, una herramienta muy útil a la hora de improvisar sobre cualquier rueda de acordes: La Octavación.

Te dejo unas fotos donde puedes observar cómo y cuáles modelos CAGED se integran en cada una de las cinco digitaciones de una pentatónica mayor y otra menor, para que te hagas una idea del potencial que tiene la combinación de diferentes sistemas de visualización.

En ellas se aprecian la raíz de la escala y sus octavas, que coinciden con las de cada modelo CAGED correspondiente. ¡Intenta encontrar cuál modelo hay en cada figura de las pentatónicas!

(pincha en las imágenes para descargarlas)

 

 

 

 

 

 

El resto, te lo dejo todo explicadito en el vídeo  😎

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Una pentatónica es una escala de cinco sonidos —notas—. Es algo obvio, a estas alturas; pero es interesante pensarlo así para entender que se puede construir cualquier escala pentatónica que no sea estándar, siempre que conste de cinco notas.

Hay muchos tipos de pentatónicas, occidentales y orientales. Hoy voy con la segunda opción de pentatónica semi-disminuida. La primera la vimos hace unos meses en este artículo.

Para construirla, en lugar de buscar sus intervalos en el mástil, voy a hacerlo de otra manera: Voy a partir de una Bar Blues, una escala típica de Blues muy conocida y usada por casi todos. (En otro momento hablaremos de ella más a fondo).

Esta escala es básicamente una pentatónica menor a la que se le añade una nota de paso entre su 4ª y su 5ª. A esta nota de paso se la conoce como Blue Note y es una cuarta aumentada o una quinta disminuida, dos nombres para el mismo intervalo. Sus digitaciones principales son así:

Una Bar Blues podría considerarse como una escala Hexatónica —una escala de seis notas—. Para convertirla de nuevo en pentatónica le quitamos una nota, pero en este caso la quinta justa original de la pentatónica menor con la que construimos la Bar Blues. Así podremos acoplarla a la sonoridad del acorde semidisminuido, que tiene esta estructura: R-b3-b5-b7. La escala Bar Blues sin la 5ª justa queda así:

R-b3-4-b5-b7

Sus intervalos son perfectos para tocar encima de cualquier acorde semidisminuido, cuya nomenclatura es: Xø  y también X-7(b5). Y no sólo para este acorde que es el suyo propio, sino para acordes de séptima dominante sin alterar, usándola de una manera especial… Pero eso lo veremos más adelante.  😆

Te dejo el esquema de la escala pentatónica semidisminuida que hemos construido, y un vídeo donde la toco.

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¡Vamos con un poquito de técnica!

Rasguear una guitarra —strumming en inglés—es lo que se hace cada vez que subimos o bajamos a mano derecha y rozamos con la púa o con la punta de los dedos las cuerdas provocando así que estas suenen simultáneamente… Jejejeje, que yaaaa, que eso ya se sabe de sobra, ¿o no?

Está bien y un scratch ¿Qué es?

Es el sonido que se produce al rasguear las cuerdas, pero sin pulsar ninguna cuerda en el diapasón con la mano izquierda.

Simplemente se apoyan los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas, ejerciendo la presión justa para que estas no produzcan sonidos reconocibles como notas. Un ejemplo muy famoso es la introducción de Voodoo Child (Slight Return) de Jimi Hendrix.

A esta técnica se le llama scratching.

Pues bien, lo que vamos a hacer ahora es intercalar algunos scratches entre las notas de una melodía. De manera que en lugar de tocar notas largas, rellenamos con scratches el espacio entre dos notas  acortadas, hasta completar la duración de la nota original, como si fuera tenida (larga):

Y aquí tienes una línea melódica ejecutada con esta técnica:

Para conseguir este efecto, es muy importante mantener el dedo índice solo apoyado, rozando las cuerda sin llegar a pisar, para no provocar que las notas del traste suenen.

También es necesario como medida de seguridad, utilizar la punta del dedo con el que vamos a pulsar una determinada nota (traste) para mutear por debajo las cuerdas que vayan quedando encima de la que estemos tocando.

Pero mejor verlo en este vídeo demostrativo.

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¡Voodoo! para dominar el alma de alguien, para hacerlo sucumbir a tus deseos, para invocar su espíritu…

Cuando tocas algo conocido pero enmascarado con artificios técnicos y armónicos, lo llevas a tu terreno personal y lo bañas con aromas y esencias de tu propia cosecha; ese algo puede llegar a ser hipnótico para alguna gente: No acaba de reconocerlo aunque algo resuene en su interior.  Un susurro que dice que lo que escucha, está en sus recuerdos profundos, aunque no tenga conciencia de lo que es.

Cualquier persona sabe que acumular conocimiento masivo no es fácil ni práctico. Es una buena idea reservar el esfuerzo para conocer bien unas pocas cosas. Para tener los recursos necesarios y saber utilizar tus conocimientos de manera original y creativa, para que no aburran; para que no te aburran…

Pues bien, voy a utilizar de nuevo el carrito, aquella figura en el mástil que suelo usar y que explique en un artículo anterior.

El Carrito

Esta vez para interpretar a lo Hendrix la introducción del tema “Wish You Where Here”, del grupo Pink Floyd. Su estructura es así:

 Motivo—Acorde—Motivo—Acorde—Motivo

Es decir, antes de cada acorde hay una melodía introductoria que prepara la entrada del acorde que viene. Cada uno de ellos tiene un motivo diferente. Los acordes (en triada) son los siguientes:

 Sin título

Simplemente comprendiendo que la mayoría de las notas en la guitarra se encuentran en varios sitios del mástil, podemos tocar los motivos y los acordes de manera diferente a la que utilizó David Gilmour en la grabación original. Y además, prestar a la interpretación que hagamos, la esencia del estilo de cualquier otro guitarrista que nos apetezca.

Me siento muy agradecido de lo que he podido aprender de todo lo que aportó Jimi Hendrix, que fue mucho y valioso, y le he elegido en este caso porque se caracterizaba por adornar los acordes con una serie de líneas melódicas (intra-melodías) a base de ligados, técnica que luego ha influenciado a muchos guitarristas como Stevie Ray Vaughan o John Frusciante sin ir más lejos.

Por otra parte, el estudio de la armonía y de las diferentes formas (modelos) de acorde que vamos recopilando, te pueden permitir añadir sonoridades sorprendentes a una rueda de acordes tan sencilla como la de Wish

En el vídeo tienes una explicación más detallada y al final, una interpretación de la mezcla que he hecho con el tema de Pink Floyd, del estilo de Gilmour, del estilo de Jimi y el mío propio. Espero que te guste.

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