¡Hola de nuevo! Hoy vamos a ver todo sobre los Power Chords, un tema muy buscado y que cuando queremos tocar la guitarra, es de lo primero que aprendemos y practicamos. ¡Incluso después, cuando ya no somos principiantes!

Power Chords: Un «pseudo acorde»

¿Qué significa esto? Ya sabemos que para formar un acorde nos hacen falta como mínimo tres notas diferentes. La famosa Triada Básica:

R , 3ª y 5ª

Pues bien un Power Chord no es exáctamente esto. En su estructura encontramos una raíz, una quinta y… una octava. Es decir, falta una nota distinta. La octava es la misma nota que la raíz aunque se toque seis tonos más aguda. Por ejemplo:

C-G-C

En especial, lo que más se echa de menos es la 3ª del acorde —ya sea mayor o menor—, que es la que proporciona al conjunto de notas el carácter o cualidad: Acorde Mayor o Acorde Menor.

Esta circunstancia nos permite acompañar rítmicamente y  ¡con mucha energía! cualquier rueda de acordes sin preocuparnos de si tal acorde es mayor o menor.

Lo de la energía es debido a que las quintas (justas) son muy potentes y, en cambio, cuando a la estructura del acorde se le añade una tercera, el sonido resultante es más «dulce».

La tercera nos ayuda a posicionar funcionalmente un acorde con respecto a los demás, en una rueda de acordes indeterminada, donde las posibilidades suelen ser varias.

Por ejemplo, si tengo tres raíces:  C, G , D; pueden ser C, G, D (todos mayores) o C, G, Dm. Incluso Cm, Gm, Dm (todos menores) o Cm, Gm D, etc.

Cuando en vez de tocar acordes completos, tocas Power Chords, la cosa se facilita…

Técnicamente, pero armónicamente se indetermina el foco tonal y la tonalidad de origen. Lo que nos hace tener dificultades a la hora de elegir la escala con la que deberíamos improvisar o componer una melodía para interpretarla sobre ellos.

Inversiones de los Power Chords

El misterio comienza cuando, a pesar de que parecen muy prácticos y fáciles de usar y tocar, nos topamos con los famosos intervalos y sus inversiones.

Para seguir mejor el resto de lo que te voy a contar, deberías echar un ojo al artículo de esta web La regla del 9 o ver este vídeo.

Una inversión es, en dos palabras, darle la vuelta a un acorde para que su nota más grave no sea la raíz. Por ejemplo:

C mayor es: C-E-G y su 1ª inversión sería: E-G-C

¿Comprendido?

Pues bien, un Power Chord también se puede invertir, y el resultado puede ser sorprendente. Mira este vídeo donde he experimentado con diversas sonoridades de Power Chords, con o sin inversión:

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El Círculo de Quintas

Para comprender esto vamos a tener que echar mano de esta fantástica herramienta, pero ahora no podemos entrar en ello.

Te dejo una explicación magistral de, a mi entender, uno de los cracks de la divulgación musical en España, Jaime Altozano, con la que podrás entender el Círculo de Quintas. La tienes en en este vídeo.

Cuando inviertes un Power Chord, obtienes un resultado ambiguo:

C5 es C-G-C, y su inversión C5/G es G-C-G

Todo eso es debido a que una quinta, la esencia de un Power Chord, si la inviertes ¡se convierte en una cuarta!

La posición típica de «tocar en quintas» es:

y la de «tocar en cuartas»:

Y la postura de Power Chord es:

Por eso, sucede que en algunas ocasiones al aprenderte una canción crees que estás tocando o hay que tocar una cosa, cuando en realidad es la contraria. :mrgreen:

Un ejemplo típico es el riff principal de Smoke on the Water, de Deep Purple.

Para que lo entiendas visualmente aquí tienes una foto:

power chords inversiones

La Regla del 9 (recuerda el artículo que te sugerí que vieras) dice:

9-5= 4 

Como el 5 en la fórmula es justa, el resultado, el 4 de la fórmula, es justa. 😉 

Buscando Sonoridades con Los Power Chords

La sonoridad de un Power Chord, invertido o no, es potente. La potencia no es una cualidad que se consigue sólo con la distorsión.

El Power Chord en si mismo, contiene esta cualidad, por eso se utiliza tanto en rock como en pop o power pop o indie… o lo que sea. ¡La cosa es meter cañuza! 😈 🤘🏼

Bueno, en el vídeo de hoy trato todo lo que te resumido en este artículo. En breve publicaré la 2ª parte, donde utilizaremos los Power Chords de una manera más avanzada y sugerente (Eso no significa difícil, te adelanto una canción donde se hace, para que te familiarices con el sonido).

(ACTUALIZACIÓN: Ya lo puedes ver aquí.)

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Volvemos de nuevo a la fascinante y sempiterna duda o confusión entre lo que es una escala y una digitación. Sobre todo cuando se estudian los Modos Griegos.

Puedes echar un ojo a un par de artículos que he escrito, uno en esta misma web, aquí; y otro en el foro de guitarristas.info en este enlace.

Lo que no había hecho, creo, es demostrar cómo suena una misma digitación sobre varios acordes… Es decir, convertir una misma combinación de trastes y cuerdas en escalas diferentes, porque, recuerda:

¡NO ES LO MISMO ESCALA QUE DIGITACIÓN!

Un modo griego es, esencialmente, una sonoridad. Efectivamente, también una escala, pero su condición de modo, a mi entender, se escucha cuando se combina la escala de cualquiera de los modos griegos que surgen de una misma escala fuente (Tonalidad), con el acorde correspondiente a su grado.

Una digitación es, en cambio, cada una de las diferentes maneras de tocar una misma escala a lo largo el mástil de la guitarra.

No me cansaré de repetir que la herramienta más potente para ser un o una buena guitarrista es la visualización. Es mejor aprender las cosas justas y necesarias y dedicarse a mirarlas con nuevos ojos, para convertirlas en nuevas y creativas maneras de entender la guitarra y, mejor aún, la música, que acumular conocimiento estéril o exceso de información que luego no es efectiva.

Sin más te dejo el vídeo donde lo explico y demuestro. ¡Hasta la próxima! 🤘🏼

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¿Por qué en un Blues, usamos normalmente una escala (pentatónica) menor en vez de tocar un Blues Modal?

Hay dos conceptos interesantes: Música Modal y Música Tonal. Para entender qué es cada cosa debemos profundizar en el concepto Modo. Cuya definición general podría ser: Manera de hacer, entender, apreciar o sentir algo.

Pero ahora nos interesa su definición musical. La Wiki dice:

Modos y escalas

Una escala musical es una serie ordenada de sonidos —a partir de una primera y última nota del mismo nombre, que dan nombre a la escala— entre los que se mantienen unos determinados intervalos musicales, que dan nombre al tipo de escala.

El término modo hace referencia a las escalas y reglas compositivas de la melodía usadas en los sistemas musicales antiguos, especialmente a los «modos medievales» utilizados en los cantos llanos (como el canto gregoriano). También puede utilizarse para designar a los «modos griegos», escalas descendentes del sistema musical de la antigua Grecia.

En un sentido más amplio engloba también las ordenaciones de alturas utilizadas en la música folclórica, étnica y la proveniente de culturas no europeas.El uso de un modo en una pieza o fragmento musical se conoce como «modalidad». Cuando se utiliza más de un modo simultáneamente se habla de polimodalidad, como por ejemplo la polimodalidad cromática.

Transposición de modos

En el sistema tonal, los dos tipos de escalas (mayor y menor) son meramente relativos y se pueden aplicar a una escala basada en cualquier altura (por eso se dice do mayor, do menor, re mayor, re menor, etc.). En cambio en el sistema modal cada tipo de escala tiene una altura correspondiente. Naturalmente un compositor moderno, al usar un modo antiguo, puede transponerlo a cualquier altura.

Entonces, por si no lo has entendido, te lo simplifico:

Modal es lo que atiende a un «modo» determinado de escuchar una serie de sonidos o una superposición de éstos. Una vez que se ha diseñado una estructura modal determinada, es decir, una serie de notas que forman una escala o un acorde con una estructura fija, ésta se puede cambiar de tono —Trasponer— para jugar con  diferentes alturas tonales y por tanto sensaciones.

Por ejemplo, cuando en una canción popular se toca el estribillo repetidamente, pero cada vez en un tono más alto. La sensación que provoca es exaltación y alegría u optimismo.

Tonal es centrarse en los sonidos únicos (notas) de una misma escala, combinarlos para construir los acordes pertinentes. El conjunto de estos acordes se llama Tonalidad. Una vez establecida la tonalidad, para componer, solo se usarían agrupaciones —cadencias— de estos acordes.

De esta forma tenemos dos sonoridades principales: La mayor, que arranca de la 1ª nota de la escala —Tónica— y la menor, la relativa de la 1ª, que empieza desde la 6ª nota. El resto de notas no generan un foco tan absorvente para el oído como para considerarlos de manera modal.

Es difícil componer una pieza musical centrándose en un acorde que no sea el I o el VI menor de una tonalidad, pues el oído siempre tiende a «desviarse» hacia estos dos puntos sonoros principales.

ESCALAS

Las escalas también se pueden usar de forma modal o tonal. En el primer caso, en una composición modal, se usa la escala que ha generado el tono y si se transpone a otro tono se cambia de escala. En el segundo caso, tonal, se usa la escala principal sobre todos los acordes utilizados en la composición, pues éstos se han construido con las notas de dicha escala.

Aquí entra el tema del Blues. ¿Se puede considerar a la estructura típica de este estilo como un Blues Modal?

Si pensamos en Blues Modal ¿Qué escala o escalas debo usar?

Para entenderlo, te propongo que lo veas en el vídeo de abajo. 😉

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Hoy vengo con un artículo de los güenos, de teoría y sonoridades, así que toma especial atención y léelo dos veces :mrgreen:  ¡Tranqui! Tienes un vídeo al final del artículo jejeje

¿Qué es un acorde Híbrido?

Un acorde híbrido es, básicamente, aquél cuya composición consta de dos partes; una estructura superior y otra inferior: La estructura superior es un acorde completo y la estructura inferior, el bajo, es una nota que no pertenece a la estructura del acorde superior.

Se podrían equiparar, aparentemente, con «una forma especial de inversión», aunque realmente no lo son. Entre el bajo y el acorde superior, no debe existir relación de 3ª; si no, sería inversión.

Hay tres tipos básicos:

1. La nota del bajo es la nota «rara» de un acorde peculiar:

El bajo debe estar doblado:

Cmaj7/B  C7sus4/F  Csus2/D

Es híbrido sólo cuando el acorde superior es mayor, cuando es menor el conjunto siempre es inversión:

  • Dmaj7/C#=C#-D-F#-A-C#= C#maj7sus4(b9,b13) ⇾ Híbrido
  • D-(11)/G= G-D-F-A-G = G-A-D-F-G = G7sus2 ⇾ Inversión
  • D7/C= D-F#-A-C ⇾ 3ªInversión, bajo en la séptima*
  • D/C= C-D-F#-A= Csus2(#11,13) ⇾ Híbrido, según el contexto:

| Cmaj7 | F/C D/C | Eb/Bb | ⇾ Híbrido
| A-7 | D/C G7 | Cmaj7| ⇾ Inversión (*En este caso el acorde D/C, es claramente un Dominante que funciona dentro de la tonalidad en la que nos hallamos.)

2. La nota del bajo pertenece a la escala del acorde superior:

Esto significa que si el acorde es triada o tétrada tenemos cuatro ─o tres notas─ de la escala que no forman parte de la estructura del acorde y que podemos colocar en el bajo para construir el híbrido; respetando que la relación entre el nuevo bajo y el acorde superior no sea de tercera.

Por ejemplo:
El acorde que queremos construir tiene en su estructura superior un Cm, y la escala fuente que usaremos es la Dórica de C:

  • C-D-Eb-F-G-A-Bb ⇾Cm/A (Triada)
  • C-D-Eb-F-G-A-Bb ⇾Cm7/D (Tétrada)

Obviamente, podemos utilizar cualquier escala/modo de una tonalidad para construir híbridos:

  • Jónica ⇾ C/D, C/F, C/B
  • Dórica ⇾ Dm/E, Dm/G, Dm/C
  • Frigia ⇾  Em/F, Em/A, Em/D
  • Lidia ⇾ F/G, F/B, F/E
  • Mixolidia ⇾ G/A, G/C, G/F
  • Eólica ⇾ A/B, A/D, A/G
  • Locria ⇾ Bo/C, Bo/E, Bo/A

3. La nota del bajo no es de la escala del acorde superior:

En este caso las posibilidades son múltiples, todo dependería de la sonoridad que busquemos o de la disonancia que queramos provocar.
Podríamos componer acordes híbridos del tipo:

Cmaj7/Db  C7/Ab

Análisis de los acordes Híbridos

Para analizar un acorde híbrido, no se parte del acorde de la estructura superior, sino del bajo:

  • C/D ⇾ D-C-E-G = D-E-G-C ⇒ D7sus49
  • G6/C ⇾ C-G-B-D-E = C-E-G-B-D ⇒ Cmaj79

La escala que se «debe» utilizar, al contrario del análisis, es la correspondiente al acorde superior + la nota que forma el bajo:

  • C/D= D7sus4(9) ⇾C-E-G+D ⇾ Jónica, Lidia, Mixolidia
  • B/C= C-maj7(b5) ⇾B-D#-F#+C ⇾ Mixolidia b9
  • Eb/C= C-Eb-G-Bb= C-7⇾ Inversión, no es híbrido: Hay relación de 3ª entre el bajo y el acorde superior. La escala sería cualquiera menor apropiada para el acorde C-7
  • E/C= C-E-G#-B= Cmaj7(#5) ⇾ Inversión, no es híbrido: Hay relación de 3ª entre el bajo y el acorde superior. La escala sería una Lidia de 5ª aumentada con tónica C.

Te dejo el vídeo. Y no olvides que si quieres, puedes recibir CLASES de guitarra, armonía y composición ON LINE. Informarte AQUÍ. También puedes ver más en mi canal de YouTube

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Para qué lo vamos a negar, en general (hay gente para todo, menos mal) lo que más nos atrapa, lo que más llama la atención y deseamos, es hacer buenos solos de guitarra.

Un objetivo que pasa por aprender escalas y sus digitaciones interminables, aprender solos de otros guitarristas, analizarlos y… ¡Aprender licks!

¿Qué es un lick? La Wiki dice:

En los géneros de música popular como el blues, el jazz o la música rock, un lick es «un patrón o frase» que consiste en una breve serie de notas utilizadas en solos y líneas melódicas y acompañamiento. Los licks en el rock and roll a menudo se usan a través de una fórmula, y una técnica de variaciones en la que se mezclan y desarrollan variantes de ideas simples y comunes durante el solo. En una banda de jazz, se puede interpretar durante un solo improvisado, ya sea durante un coro solista acompañado o en una pausa solista no acompañada. Las melodías de jazz suelen ser frases cortas originales que pueden modificarse para que se puedan usar sobre los cambios de progresiones armónicas de una canción.

Como por ejemplo el lick más famoso del mundo —The Lick—, que ha dado muchas alegrías a diferentes músicos y  que se ha acabado utilizando en tono de comedia:

Es decir, nos aprendemos múltiples «trocitos melódicos», que combinados y variados, nos permiten hacer frases más largas o incluso improvisaciones o solos completos.

Pero se corre un peligro muy habitual: Que se note que uno de esos licks —o todos— es aprendido y, peor aun, que destaque entre tus propios fraseos quedando fuera de contesto, porque el resto de la improvisación es más básica, más tuya, o de un carácter diferente al lick o licks en cuestión.

Lo más aconsejable es que, poco a poco, vayamos generando un vocabulario propio: Un diccionario de frases a medida. ¿Pero cómo? Con la experiencia y el aprendizaje de todo lo dicho, pero llevado a tu terreno y transformado por tu gusto e intuición. Ahí es nada.

Por eso hoy vengo con un sistemita al que he denominado EPA. El acrónimo de Esqueleto, Patrón, Articulación. ¿Y en qué consiste?

Es la simplificación de un sistema de composición que se denomina Desarrollo Motívico: Una herramienta compleja pero muy versátil que te permite, partiendo de uno o varios motivos originales, variándolos o alterándolos drásticamente con una serie de reglas, crear una composición en la que incluso no aparezcan ninguno de los motivos originales.

Este sistema es muy antiguo, aunque se haya ido desarrollando con las épocas musicales hasta la edad contemporánea, ya J.S Bach lo hacía en sus fugas. Mira este ejemplo:

Por eso, para simplificar y llevarlo al terreno de la guitarra, me he montado el sistema EPA. Te lo cuento todo en el vídeo de más abajo. Además te dejo las dos fotos que he usado para explicarlo y que aparecen en el vídeo.

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[Pincha en las imágenes para descargarlas]

 

¿Qué tal después del verano? Seguro que con ganas de retomar la práctica y el estudio de la guitarra.  😉

Para ir entrando en la dinámica hoy voy a estudiar delante de ti, es decir, voy a mostrarte cómo encaro la práctica y comprensión de un concepto determinado. En este caso un Lick de guitarra entresacado de una improvisación del fantástico guitarrista Guthrie Govan.

Aquí está la tablatura de una primera adaptación que he hecho de su fraseo original —muy ambicioso y supertécnico para mí—, pero que he ido puliendo para adaptarlo a mis habilidades y necesidades.

Para hacerte una idea completa de la rutina de estudio que sigo cuando lo que quiero es «robar», es decir, integrar en mi vocabulario un lick ajeno, de un o una guitarrista que me inspira, puedes ver el vídeo de abajo.

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El bending es una técnica muy usada para dar carácter a los solos y líneas melódicas. Pero junto con la técnica de vibrato se trata también, por así decir,  de la firma del guitarrista.

De entre todas las formas o variantes para realizar esta técnica, me interesa mucho hablar hoy de el bending melódico. Como su nombre indica, se trata de hacer melodías utilizando solo un traste. Estirar y relajar la cuerda buscando, desde la nota de partida —la que se consigue pulsando la cuerda relajada en el traste correspondiente— las notas de la melodía base elegida.

Empecemos con un ejercicio primordial para conseguir melodías con el bending y que éstas estén afinadas. Desde una nota determinada —traste y cuerda apropiados—, hacemos consecutivamente bendings de ½ tono, 1, 1 y ½ , 2 y 2 y ½ si se puede.  Pero siempre recuperando la nota de salida. También sin recuperar, es decir, pasando de una afinación a la siguiente sin pasar por ø tonos, y recuperar totalmente al final.

Después los alternamos y hacemos combinaciones para ir guardando en la memoria física la tensión necesaria para conseguir una afinación determinada. Por supuesto esto hay que repetirlo en todas las cuerdas asequibles y en todos los trastes necesarios.

Un ejemplo:

Un ejemplo importante por su belleza y por su fama es el bending que hizo David Gilmour en el solo de Another brick in the Wall. Un bending que para hacer la melodía que el propuso, hay que estirar la cuerda hasta un máximo de 2 tonos y ½, jugando entre medias con distintas afinaciones para conseguir hacer sonar la melodía como si se ejecutara con la técnica habitual, tocar cada nota en su traste correspondiente.

Aquí tenemos la melodía base —independientemente de la técnica— que Gilmour compuso y cómo se debe realizar usando la técnica de bending melódico:

David Guilmour Bend.OK.jpg

Para conseguirlo necesitamos un sonido de guitarra que mantenga el sustain: Un compresor o un ligero overdrive, ya que el conjunto de bendings que debemos hacer para completar la melodía, hay que interpretarlo con un solo golpe de púa el principio, en le nota de salida.

Después, lo más importante, buscar la afinación de cada nota conseguida con bending para que se ajuste a la melodía base. Procurar que no haya ruidos extraños provenientes de las demás cuerdas. Y aguantar la tensión de la cuerda y la presión del dedo en el diapasón para que el sonido no se apague. ¡Suerte!

Aquí tienes un vídeo donde te lo muestro.

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Al reproducir simultáneamente tres o más notas se genera un acorde. O sea, un acorde es la superposición de tres o más notas. Las dos fórmulas básicas son la triada y la tétradaSe construyen superponiendo a la raíz notas a distancia de tercera. Sus representaciones principales, aunque hay más tipos, son así:

  • TRIADA        R 3ª 5ª  –
  • TÉTRADA     R 3ª 5ª 7ª

La combinación y transformación de los diferentes intervalos que forman estas dos fórmulas, configura el conjunto de acordes básicos que podemos construir. Debemos tomar especial atención a sus símbolos o nomenclaturas, especialmente en lo que se refiere a las séptimas:

Lo importante ahora, por encima de nomenclaturas o convencionalismos, es que seamos capaces de identificar estas doce sonoridades básicas. Para ello es imprescindible tocarlas todas; en orden o aleatoriamente, para incluirlas en tu mochila de sonoridades.

Digo sonoridades, no acordes; con el fin de dejar claro que si descubrimos la esencia de cada una de ellas, podremos identificarlas aunque no se toquen al completo, falten elementos o estén organizados de diferente manera. También se puede dar el caso de que se hallen imbuidas en la estructura de un acorde diferente, por ejemplo:

G (triada) es: G-B-D y E-7 (tétrada) es: E-G-B-D

G está dentro del acorde E-7. A esto, con mis alumnos, le llamo el Alien que hay en la barriga de otro acorde 😉

A continuación dejo una colección de formas para tocar las doce sonoridades, en las que he usado el modelo A (del famoso CAGED). Ten en cuenta, vuelvo a insistir, que el modelo podría ser otro, o varios, así que, recuerda:

¡No es lo mismo modelo que acorde!

Aquí tienes un vídeo donde las toco todas para que te hagas una idea.

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Cómo armonizar una melodía con acordes es un tema recurrente en mis clases. Aunque parece complicado, en el fondo es tan sencillo como dejarse llevar por el gusto personal y la intuición.

Siempre que el resultado que se busca sea profundizar en tu modo de entender la música, no hay reglas u obligaciones; aunque es cierto que entender la teoría musical mínimamente es una gran ayuda, muchas veces imprescindible.

Otra cosa es que se busquen resultados económicos o éxito mediático. Eso es otro tema. En esas circunstancias, se suele echar mano de clichés y fórmulas repetitivas que provocan en el oyente la sensación de estar escuchando algo conocido aunque no se sepa qué. Es una manera de enganchar y generar ventas.

Ahora, yo creo y siento que lo verdaderamente bonito y emocionante es encontrar tu voz —como se suele decir— sin formalismos, dejando fluir tu sensibilidad y si hace falta, siendo lo más rebelde o estrambótico posible. Jejejeje.

Te dejo un VÍDEO donde explico todo un poco más detalladamente.

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