¡Hola a tod@s! He estado unos día sin venir por aquí por una estupenda razón: ¡Me he mudado y ya me he instalado en mi nuevo estudio! Además estoy de celebración porque en mi canal de Youtube hemos superado los 2000 subscriptores. Si quieres echar un ojo aquí te dejo un vídeo donde lo cuento:

Por lo tanto, no pude publicar nada estos días. Así que, vamos con el primer vídeo-lección de la nueva andadura…

Hoy comparto una clase On Line que he dado a un alumno que además de querer ser guitarrista es un excelente batería, se llama José Antonio Pereira, que, además, ha escrito un libro sobre los problemillas del mundo de la música y de los músicos y músicas, que me parece interesantísimo leer. Puedes verlo aquí.

La lección trata de cómo hacer «acordes melódicos», es decir, acordes que en vez de tocarlos con su estructura estática, se combinan con notas de la escala con la que los hayamos construido.

Es muy conocido y apreciado el estilo de Jimi Hendrix, pero no es el único ni el primero que lo hizo, aunque su forma de tocar haya quedado para la posteridad como especial e «inimitable». Y la verdad que lo merece.

Bueno sin más te dejo aquí el vídeo de la clase, así también te haces una idea de como son las clases en CGM.

¡Hasta la semana que viene!

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Una de las cosas que se escuchan sobre la música en general, es que es el arte que mejor conecta con la emociones humanas. Esto es algo subjetivo, pero a mi me afecta —en todos los sentidos: positivo, negativo o de manera neutra— mucho más una sonoridad, que un cuadro o una danza.

Quizás la literatura, la palabra escrita o hablada afecte mucho más, pero en otra dirección. La música, a mi entender, conecta más con las emociones primarias que con los sentimientos; que suelen ser una mezcla de emociones y a veces contradictorias.

La música puede conectar con la parte más atávica del ser humano. Sobre todo a través del componente rítmico. Un conjunto de instrumentos de percusión te puede transportar hasta las interioridades más animales de tu ser. Espacios de nuestra psique que normalmente están sepultados bajo capas de raciocinio e intelectualidad; de condicionantes sociales que no nos dejan conectar con nuestra parte más esencial. Estados de ánimo y que no es fácil definirlos o expresarlos con palabras.

La música puede. Llega hasta allí.

Y ¿Qué es la música? Jejejeje. Eso es la pregunta del millón. Mr. Google dice:

  1. Arte de combinar los sonidos en una secuencia temporal atendiendo a las leyes de la armonía, la melodía y el ritmo, o de producirlos con instrumentos musicales.»estudia música desde muy joven; se dedica a la música en cuerpo y alma»
  2. Conjunto de sonidos sucesivos combinados según este arte, que por lo general producen un efecto estético o expresivo y resultan agradables al oído.

Pero me gusta más la de la RAE:

  • Melodía, ritmo y armonía, combinados.

Haciendo un juego comparativo: El ritmo sería la base ancestral (cerebro reptiliano). La armonía la base de la emoción (cerebro límbico). La melodía el matiz, el mensaje implícito del sentimiento (neocortex). 

El ritmo influye directamente en el movimiento, en la comunicación no verbal. La sensualidad, es energía o calma.

Los acordes básicos —la armonía—, los dividimos en tres grupos: Mayores (alegres), menores (tristes), disminuidos (tensos). Pero esto es muy subjetivo.

La melodía flota sobre las dos capas anteriores, viéndose afectada enormemente por los posibles cambios que se produzcan en ellas: Una misma melodía tocada sobre ritmos o armonías diferentes, es, a su vez, cosas distintas. Las circunstancias, el entorno, cambian la interpretación de cualquier mensaje: Entra en juego el entendimiento subjetivo de las personas.

En el vídeo de hoy, mi almno Borja y yo, hablamos de por qué un acorde menor que se suele decir que es «triste», a él le parece que no lo es tanto. Y que a mí me parece mejor decir melancólico. También tocamos el tema del ritmo y la manera de estudiar un solo de guitarra teniendo en cuenta lo que te he contado más arriba.

Quizás hemos charlado de más cosas, pero eso descúbrelo tú mismo. Hasta el próximo artículo.

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¿Por qué a BB King le sonaban tan bien las mismas pentatónicas que yo uso para tocar en un Blues mayor; y a mi no?

Una vez que hemos aprendido que en un Blues mayor no podemos utilizar la misma escala (mayor) para todos los acordes básicos que se utilizan en su estructura: 

I7-IV7-V7

¡Hey! ¡Espera que yo no lo sé! 😅 ¿No? Entonces te lo explico…

Un acorde de 7ª Dominante, es decir, un acorde mayor con 7ª menor, cuya función es la famosa Función Dominante, sólo aparece —y es por tanto exclusivo— como quinto grado de una tonalidad mayor: V7

En la estructura típica de Blues mayor, aunque denominamos a los acordes que la forman con los números I, IV y V; realmente, los acordes I y IV de la rueda de Blues no se pueden considerar como el I y IV grado de una tonalidad mayor oficial¡Al llevar 7ª menor, serían quinto grado en sus supuestas tonalidades mayores de origenNo existen grados I o IV con séptima menor en una tonalidad mayor, ambos, en realidad, llevarían séptima mayor (maj7).

Esto —además de que el análisis de un simple Blues se complica—, que todos los acordes de una rueda estándar de Blues sean acordes V7; genera la sonoridad inconfundible de este estilo: Una especie de de letanía o rueda sin fin que sólo acaba cuando los músicos o alguien del público  lo desean. 🤪

A la hora de saber qué escalas corresponden a una rueda de Blues mayor típica como esta:

Deberíamos considerar la circunstancia expuesta y pensar que si un Blues mayor está formado por tres acordes del tipo V7; cada uno de ellos debería llevar la escala que pertenece a dicho grado, es decir, una escala Mixolidia.

El resultado de hacerlo así, además de que el trabajo de aprendizaje de digitaciones y visualización es mucho mayor, es que no hay manera de hacerlo sonar como un Blues de los que esperamos escuchar. De los que tenemos instalados en la memoria musical.

No podemos en ningún caso (teórico) utilizar la misma escala mayor para toda la rueda de Blues (los tres acordes principales); por tanto, hay que cambiar de escala para cada nuevo acorde, y esto… ¡No suena a Blues propiamente dicho!

Veamos qué pasaría si usáramos la misma escala mayor, para todos los acordes del Blues: Por ejemplo, la 3ª mayor del acorde I7 de un Blues en A, es C#, si tocamos esta nota sobre el acorde IV7 del Blues, D7, cuya estructura es D-F#-A-C; chocará enormemente con el C, su 7ª menor. Este problema se da en más casos si utilizamos solo una escala para todos los acordes de nuestro Blusete.

De todas maneras, lo habitual, y tradicionalmente usado, en contra de lo que dice la teoría básica y de lo que acabo de explicar, es tocar la misma escala sobre todo el Blues; pero una escala muy peculiar ¡Una escala menor!

¡Sí amigos, algo aberrante, una escala menor sobre acordes mayores, sobre todo el I y el IV los más delicaditos! Tocar la famosa escala Pentatónica menor (y su variante Bar Blues) en el Blues mayor, es una aberración aceptada por costumbre y tradición ¡Y qué bien que suena! Para gustos… 😎

¡Peeeero! ⚠️ No se puede usar así como así, existen una serie de normas escritas y no escritas que hay que respetar. Y entre ellas la de no usar Notas Prohibidas (las que están ½ tono por encima de las notas del acorde que esté sonando) como nos venga en gana.

Por ejemplo: No se debería atacar alegremente con un D (nota que posee la pentatónica menor de A) la entrada del Blues cuando empieza a sonar el acorde de A7. Ahora si te gusta… tú mismo. Lo que se suele hacer es pulsar esa nota y automáticamente hacer un bending de tono completo para alcanzar la nota E, que es la 5ª del acorde de A7.

Un truco muy usado es el micro-bending, una técnica que permite atacar el acorde A7, por ejemplo, cuya estructura es A-C#-E-G; con la 3ª menor de la Pentatónica menor de A, la nota C.

Esto choca enormemente: contraponer dos terceras, una mayor (la del acorde), y otra menor (la de la escala); pero el truco del «bending diminuto»  jejeje (¼ de tono) salva la situación y ,además, es una de las características clave a la hora de improvisar en este estilo.

Entonces… Para que esto no suceda: que usemos la pentatónica genérica en nuestro Blues de manera caótica, al tún tún, lo mejor es practicar su uso adecuado diseñando un recorrido que evolucione a lo largo de una digitación cualquiera de la pentatónica menor, de manera que las notas clave, sobre todo las que se vayan a tocar en tiempos fuertes del compás —el tiempo 1—, sean notas que pertenezcan al acorde que está sonando.

Esto es un esfuerzo de memorización, que a la larga nos hará integrar intuitivamente la rueda de Blues y desarrollar la capacidad de utilizar las escalas en el Blues de manera coherente y creativa. Se va generando una noción musical que nos permite improvisar, aunque sea con una sola escala, como si tuviéramos más a nuestra disposición.

Es un efecto sorprendente, y al escucharlo, debido a la cualidad e interacción de los acordes con los que se juega en un Blues de este tipo; nunca nos cansamos de tocar rueda tras rueda, ¡Hasta que, incluso, cierren el garito en el que estemos asistiendo a un concierto! 🤘🏼

Aquí tienes un vídeo de una clase On Line por Skype, donde le explico estas cosas, y algunas más, a uno de mis alumnos. Espero que disfrutes. 

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¿Qué tal después del verano? Seguro que con ganas de retomar la práctica y el estudio de la guitarra.  😉

Para ir entrando en la dinámica hoy voy a estudiar delante de ti, es decir, voy a mostrarte cómo encaro la práctica y comprensión de un concepto determinado. En este caso un Lick de guitarra entresacado de una improvisación del fantástico guitarrista Guthrie Govan.

Aquí está la tablatura de una primera adaptación que he hecho de su fraseo original —muy ambicioso y supertécnico para mí—, pero que he ido puliendo para adaptarlo a mis habilidades y necesidades.

Para hacerte una idea completa de la rutina de estudio que sigo cuando lo que quiero es «robar», es decir, integrar en mi vocabulario un lick ajeno, de un o una guitarrista que me inspira, puedes ver el vídeo de abajo.

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“Los acordes lo son todo”

Es una frase del guitarrista americano Robben Ford, al que admiro y que me influenciado en mi forma de entender la música. Lo que viene a decir, es que la información que aportan los acordes de una secuencia o canción es primordial. Hasta el punto de que una misma melodía «vestida» con acordes diferentes a los originales con los que se compuso, parece diferente, otra.

En esta lección intentaré explicar (vídeo al final) cómo y con qué acordes podemos sustituir la armonía de un tema pop sencillo, utilizando acordes del mismo tipo que los originales, pero con extensiones añadidas, o cambiando de tipo de acorde.

Me he guiado de una video-lección del guitarrista y producto americano Rick Beato, donde explica este concepto. Su lección la he adaptado a mi manera porque siempre hay varios puntos de vista y diferentes nomenclaturas para un mismo concepto. Y, por supuesto, en castellano jejeje.

Los diferentes tipos de acordes, los diferencia en tres grupos: Mayores, Menores y Dominantes. Aquí está la tabla de sustituciones:

Sustituciones

Hay que tener en cuenta que después de todo se trata del gusto y la estética de cada persona, y aunque un acorde determinado pueda ser perfectamente sustituible por otro, el resultado final depende de las elecciones que vayas haciendo dependiendo de tu forma de entender la música: Nada está mal o bien, simplemente es tuyo.

Por supuesto, es importantísimo que profundices en el conocimiento de intervalos y en su visualización en la guitarra. ¡Son los ladrillos de la música!

Aquí tiene s un PDF con varias de la formas alternativas para que las puedas tocar en la guitarra:

Aquí tienes un vídeo donde toco y explico detalladamente estos acordes y sus variantes.

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Al reproducir simultáneamente tres o más notas se genera un acorde. O sea, un acorde es la superposición de tres o más notas. Las dos fórmulas básicas son la triada y la tétradaSe construyen superponiendo a la raíz notas a distancia de tercera. Sus representaciones principales, aunque hay más tipos, son así:

  • TRIADA        R 3ª 5ª  –
  • TÉTRADA     R 3ª 5ª 7ª

La combinación y transformación de los diferentes intervalos que forman estas dos fórmulas, configura el conjunto de acordes básicos que podemos construir. Debemos tomar especial atención a sus símbolos o nomenclaturas, especialmente en lo que se refiere a las séptimas:

Lo importante ahora, por encima de nomenclaturas o convencionalismos, es que seamos capaces de identificar estas doce sonoridades básicas. Para ello es imprescindible tocarlas todas; en orden o aleatoriamente, para incluirlas en tu mochila de sonoridades.

Digo sonoridades, no acordes; con el fin de dejar claro que si descubrimos la esencia de cada una de ellas, podremos identificarlas aunque no se toquen al completo, falten elementos o estén organizados de diferente manera. También se puede dar el caso de que se hallen imbuidas en la estructura de un acorde diferente, por ejemplo:

G (triada) es: G-B-D y E-7 (tétrada) es: E-G-B-D

G está dentro del acorde E-7. A esto, con mis alumnos, le llamo el Alien que hay en la barriga de otro acorde 😉

A continuación dejo una colección de formas para tocar las doce sonoridades, en las que he usado el modelo A (del famoso CAGED). Ten en cuenta, vuelvo a insistir, que el modelo podría ser otro, o varios, así que, recuerda:

¡No es lo mismo modelo que acorde!

Aquí tienes un vídeo donde las toco todas para que te hagas una idea.

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¡Voodoo! para dominar el alma de alguien, para hacerlo sucumbir a tus deseos, para invocar su espíritu…

Cuando tocas algo conocido pero enmascarado con artificios técnicos y armónicos, lo llevas a tu terreno personal y lo bañas con aromas y esencias de tu propia cosecha; ese algo puede llegar a ser hipnótico para alguna gente: No acaba de reconocerlo aunque algo resuene en su interior.  Un susurro que dice que lo que escucha, está en sus recuerdos profundos, aunque no tenga conciencia de lo que es.

Cualquier persona sabe que acumular conocimiento masivo no es fácil ni práctico. Es una buena idea reservar el esfuerzo para conocer bien unas pocas cosas. Para tener los recursos necesarios y saber utilizar tus conocimientos de manera original y creativa, para que no aburran; para que no te aburran…

Pues bien, voy a utilizar de nuevo el carrito, aquella figura en el mástil que suelo usar y que explique en un artículo anterior.

El Carrito

Esta vez para interpretar a lo Hendrix la introducción del tema “Wish You Where Here”, del grupo Pink Floyd. Su estructura es así:

 Motivo—Acorde—Motivo—Acorde—Motivo

Es decir, antes de cada acorde hay una melodía introductoria que prepara la entrada del acorde que viene. Cada uno de ellos tiene un motivo diferente. Los acordes (en triada) son los siguientes:

 Sin título

Simplemente comprendiendo que la mayoría de las notas en la guitarra se encuentran en varios sitios del mástil, podemos tocar los motivos y los acordes de manera diferente a la que utilizó David Gilmour en la grabación original. Y además, prestar a la interpretación que hagamos, la esencia del estilo de cualquier otro guitarrista que nos apetezca.

Me siento muy agradecido de lo que he podido aprender de todo lo que aportó Jimi Hendrix, que fue mucho y valioso, y le he elegido en este caso porque se caracterizaba por adornar los acordes con una serie de líneas melódicas (intra-melodías) a base de ligados, técnica que luego ha influenciado a muchos guitarristas como Stevie Ray Vaughan o John Frusciante sin ir más lejos.

Por otra parte, el estudio de la armonía y de las diferentes formas (modelos) de acorde que vamos recopilando, te pueden permitir añadir sonoridades sorprendentes a una rueda de acordes tan sencilla como la de Wish

En el vídeo tienes una explicación más detallada y al final, una interpretación de la mezcla que he hecho con el tema de Pink Floyd, del estilo de Gilmour, del estilo de Jimi y el mío propio. Espero que te guste.

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Un arpegio es, básicamente, la interpretación melódica de las notas que componen un acorde (tríada, tétrada o la estructura que sea).

A veces se confunde el arpegio con arpegiar un acorde, pero esto es una técnica de la mano derecha que consiste en tocar alternativa y no simultáneamente las notas de un acorde; mientras dejamos fija la mano izquierda (moviéndola solo cuando cambiamos de acorde). Normalmente con un patrón fijo, aunque a veces se haga de manera  aleatoria.

La sonoridad de un arpegio varía dependiendo de las notas que, obviamente, contenga la estructura del acorde que elijamos como fuente: Si el acorde es mayor su arpegio será mayor y sonará alegre, si es menor sonará melancólico y si tiene extensiones, el arpegio tendrá una sonoridad semejante al acorde original: oscuro, brillante, agresivo, hipnótico, etc. (El reconocimiento de una emoción al escuchar algo, depende da la subjetividad del oyente, claro está, pero hay ciertas tendencias en las sensaciones que producen unos tipos de sonidos u otros, que generalmente son parecidas en todas las personas.)

El orden básico de un arpegio es como la estructura teórica del acorde fuente: R-3ª-5ª; que tocaríamos repetidamente y/o en octavas sucesivas, agudas o graves. Se le añadirían las 7as, y demás extensiones o sustituciones, en el caso de que la situación lo precisase.

Por ejemplo un acorde X7sus4(9) tendría un arpegio así: R-4ª-5ª-b7ª-9ª

En esta ocasión, he elegido una serie de acordes mayores y menores con estructura de triada, así que no habrá 7as ni extensiones. En vez de tocar las notas de cada arpegio siempre ordenadas en posición fundamental: R-3ª-5ª; he tocado, cuando lo he necesitado, sus inversiones, es decir, la organización del arpegio cambiando la nota más grave —raíz— por cualquiera de las dos restantes y las demás en el orden consiguiente: R-3ª-5ª; 3ª-5ª-R; 5ª-R-3ª. Además tocándolas en el orden que me permite una posición determinada del mástil y no de grave a agudo, como se suele hacer:

¡Cuatro notas en dos cuerdas y dos trastes!

Para ello, en vez de buscar cada nota allá donde se halle, y se pueda tocar fácilmente, he tenido que adaptar las cuatro notas a mi disposición para conseguir las notas de cada uno de los siete acordes —arpegios— que hay en la canción. ¿Cómo?

Con bendings y slides.

Por ejemplo; tengo cuatro notas en mi paleta: D, E , G y A; mi arpegio será el de Eb (mayor), o sea, Eb-G-Bb . Para conseguir estas tres notas de momento dispongo del G, el Eb lo alcanzo desde el D haciendo un bending —o slide— de ½ tono y el Bb desde el A con otro bending de ½ tono. La fórmula sería entonces:

Eb-G-Bb ≈ D+½ – G – A+½

La rueda de acordes es la de Little Wing (la de la lección anterior: Cómo improvisar sin saber escalas):Y las cuatro notas a mi disposición: D, E , G y A, tocadas exclusivamente en los trastes 3º y 5º de las cuerdas 1ª y 2ª.

Cada vez que no tenga una nota entre las cuatro de mi paleta de colores, la conseguiré añadiendo a la nota correspondiente los tonos necesarios, con bending o slide. De esta manera se pueden crear melodías muy bonitas y sugerentes, por lo menos para mí.

Aquí está la tabla de arpegios y fórmulas:

Sin más te dejo un vídeo donde lo explico todo y lo toco para que oigas como suenan los arpegios con bending o slide.

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«¿Qué escala puedo meter aquí?»

Esta pregunta es habitual. Es la gran pregunta. Lo que sucede es que quizá está mal planteada. Puedes ser que la pregunta apropiada sea: ¿Con qué escala puedo construir los acordes que tengo en esta rueda?

Es el trabajo de una vida visualizar las múltiples digitaciones y las posibles combinaciones de todas las escalas asequibles que tenemos a nuestra disposición… Así que para no esperar tanto —una vida jajaja— vamos a ver un truquito práctico y útil para empezar a sonar como un guitarrista de verdad (qué será eso, jejeje).

Este tema ya lo abordé en este artículo. Pero como es un tema recurrente y muy aplaudido en mis clases, he decidido retomarlo con una nueva fórmula y una nueva improvisación. De momento veamos qué acordes he usado para improvisar: Los del tema de Jimi Hendrix, Little Wing.Diapositiva01Las figuras que voy a usar en esta ocasión son la casita y el cepillo, aunque estos nombres son de mi elección, tú puedes cambiarlos si te apetece, lo importante es visualizar bien las figuras:Casita y cepilloLo primero es organizar todas las figuras de grabe a agudo en el mástil para visualizarlas debidamente. Después, un poco de caligrafía. Vamos tocando las figuras según dicten los acordes: Acorde mayor—casitaacorde menor—cepillo. Pero no intentemos hacer melodías todavía, solo tocarlas por fases, y después completas, según van pasando los acordes.

Litte wing chordsPodemos empezar con una nota por figura. Por ejemplo: en cada figura, la nota grabe de la 2ª cuerda, respectivamente. Después añadir la aguda de la 1ª cuerda, etc. De esta forma vamos, sin darnos cuenta, haciendo pequeños juegos melódicos que nos educarán el oído para conseguir, con la práctica, fraseos completos más elaborados.

Si tienes paciencia, te darás cuenta en seguida de que aunque no estemos usando las digitaciones completas de las escalas, éstas no son realmente imprescindibles para desarrollar un solo o improvisación coherente. Demostrando aquello de menos es más, de una manera efectiva.

Este sistema de figuras, cuando lo propongo en clase, lo primero que hace es limpiar las posibles frustraciones a las que nos enfrentamos cuando el trabajo de estudio y memorización de digitaciones es grande (y tedioso a veces), provocando que el momento de usar el material en la práctica se vea cada vez más lejano: Desbloquear esa sensación que provoca el haber estudiado mucho y no saber bien qué hacer con todo lo que vamos acumulando.

Además, muy importante, se destierra de alguna manera, la tendencia habitual a correr por las digitaciones, de arriba a bajo y viceversa, sin un sentido claro; convirtiendo las improvisaciones en ejercicios gimnásticos efectistas pero que no aportan, en la mayoría de los casos, un mensaje coherente y bonito de escuchar (aunque para gustos…).

Sin más te dejo aquí el vídeo que he preparado.

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